西方艺术流派有哪些？佛罗伦萨画派的由来和作品赏析

在13世纪末的意大利，艺术与科学的全新革命，揭开了近代欧洲历史的序幕，这一阶段被认为是中古时代和近代的分界，这就是大名鼎鼎的-文艺复兴。文艺复兴是从13世纪末在意大利各大城市兴起，并逐步扩展至西欧各国，于16世纪在欧洲盛行的一场思想文化运动。当时的佛罗伦萨是意大利中部的一座重要城市，聚集在这里的画家们跟随时代步伐开始高举人文主义旗帜，与教会神权做斗争，从而确立了一种新型的世俗文化，此时的绘画也展现出了新的人文主义面貌，而佛罗伦萨画派的诞生便是这一变革的标志。

文艺复兴时期。在绘画领域，艺术家们进行了人性的探索，让二维的平面呈现出三维空间感，实现了古希腊人所追求的错觉性的效果，让观赏者把艺术品当做真实生活的再现，将绘画看做是可感可触的事物。在此有必要解释一下“文艺复兴”是复兴什么？“文艺复兴"这个词首先是由米开朗基罗的弟子瓦萨里提出来的。他在《著名画家、雕塑家、建筑家传》一书中，把欧洲艺术发展整个过程分为3个时期：1，古希腊时期，这个时期创造了灿烂的艺术品，艺术一度繁荣；2.中世纪时期此时开始否定古希腊的艺术成就。在瓦萨里看来，艺术走入了低谷，他把这个时期称为黑暗时期；3.文艺复兴时期，此时佛罗伦萨出现了空前的经济和文化繁荣，成为“黑暗”中世纪欧洲的一盏明灯。当时意大利的佛罗伦萨新文化运动打着“复兴”古代希腊罗马文化的旗帜，把矛头直指教会神权统治。刚刚登上历史舞台的资产阶级，还没有一套成熟完备的思想体系，而要同中世纪基督教神学力量进行斗争，必须要有强大的思想武器，他们认为这个武器便是世俗的、理性的古希腊罗马文化。所以文艺复兴“复兴”的是古希腊艺术。尽管这些古典艺术在中世纪时被斥为异端邪说，禁银千年之久，新兴的资产阶级思想家和艺术家们照样让它们再现光彩。

文艺复兴可分为3个时期：初期、盛期和晚期。初期和盛期若按地域归类可分为佛罗伦萨画派和罗马画派，其中米开朗基罗和拉斐尔都在罗马展现自己的艺术才华，因此也可以说是罗马画派。晚期代表是以画家提香为代表的威尼斯画派，如图3-1所示。

佛罗伦萨作为意大利文艺复兴的发祥地，拥有得天独厚的自然条件和物质文化基础。它作为水陆交通要道，手工业和商业的发达促进了该地经济的发展。15世纪时，佛罗伦萨为新兴崛起的巨商美第奇家族所统治，掌握了当时的政治与经济权力，之后的三百年中，佛罗伦萨的历史与美第奇家族的兴衰紧密地结合在一起。美第奇家族酷爱艺术，在其保护和资助下，使佛罗伦萨聚集了众多文艺人才，这些卓越的艺术家们为其创造了大量的建筑、雕塑和绘画作品，使佛罗伦萨一时成为欧洲文艺复兴时期艺术文化和思想的中心。作为文艺复兴的发祥地，佛罗伦萨的艺术家在艺术观念、题材和表现上都形成了独有的个性特征。绘画艺术的内容依旧以传统基督教《圣经》为题材，但自从被誉为“欧洲绘画之父”的乔托开始进行绘画新领域的探索之后，画家们开始将世俗生活注入了神的形象创作中。把自己塑造的宗教人物变成了有血有肉、有思想感情的凡人。艺术家们还引进科学成果，将解剖学、透视学和光学原理成功运用到作品中。

如图3-2所示，这幅是中世纪画家画的《圣母子》；如图3-3所示，这是乔托在1310年的作品《圣母子》。从表面上看两幅作品区别不大，头上都有圣光，神情冷峻，身姿呆板。但是仔细比较会发现很多不同。其一，在乔托的笔下，圣母穿了一件漂亮的内衣，显然这源于生活。乔托恢复了古希腊的艺术原则：艺术模仿自然。这个原则具有指向标的划时代意义，文艺复兴的艺术就是依循这条原则走向辉煌的。其二，乔托的画面有了凹凸感（纵深感），而中世纪的《圣母子》是平面化的。乔托在二维的平面上表现了一个真实的人，使观众产生了三维错觉，这种透视法对以后艺术家的作品产生了深远影响。

文艺复兴早期的艺术家们非常注重表现空间透视与人物的结构造型，并善于运用线条透视原理。这一时期最著名的代表画家就是马萨乔。马萨乔原名托马索·迪乔瓦尼·迪西莫内·圭迪，马萨乔是其绰号。他作风懒散，除了艺术，对什么都漠不关心，性格放荡不霸，但在艺术上很受同行们的尊重。马萨乔的绘画成就标志着意大利文艺复兴绘画早期的繁荣，他是文艺复兴时期现实主义绘画的奠定人。他将解剖学、透视学运用到绘画上，具有科学探索的精神。文艺复兴盛期三杰-达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔都曾认真研究过他的作品。1428年马萨乔离开佛罗伦萨前往罗马.

不久就传来他死去的消息，这位年仅27岁的画家把乔托未尽的事业大大地推进了一截，所以他有“乔托再世”的美誉。马萨乔是意大利文艺复兴的先驱，他短暂的一生带来了一场绘画革命，他是最早在画面上自由地运用透视法来处理三维空间关系的优秀画家，是能在衣服褶皱下隐现人体结构并广泛运用明暗对比手法的人。图3-4所示是马萨乔的《圣三位一体》。所谓“圣三位一体”就是指圣父、圣子及圣灵三位一体。在十字架后面留着络腮胡须且威严庄重的老者是圣父耶和华，十字架上的人是圣子耶稣，圣灵按照传统画成一只飞翔的白鸽。神坛两侧是圣母和约翰，神塞外面两个人是施舍人。艺术家用工整严谨的线条透视表现了神龛的纵深空间。不留意甚至会误以为这是一桩雕塑，可见这幅画的透视感表现得太成功了！

另外，马萨乔还将风景融入构图，扩大了画面范围效果，使画面视觉更加宽阔。他还把风景和人物相结合，开创了新的绘画潮流。他的绘画技法成为西欧美术发展的基础。

在美第奇家族掌权期间，有一位名叫波提切利的画家为他们作了多幅名画，声名大噪。1477年波提切利以诗人波利蒂安歌颂爱神维纳斯的长诗为主题，为罗伦佐·美第奇新购置的别墅绘制了著名的《春》，如图3-5所示。这幅画的绘画风格在当时颇为与众不同，不是强调明暗法来表现人体造型，而是更强调轮廓线，使人体有浅浮雕的感觉，极富装饰效果。在满地鲜花、结满金色果实的幽静密林中，中间出现了象征着爱与美的女神维纳斯，仪态端庄的女神肌肤洁白，金色的长发，无愧为是完美的化身。在她的召唤下，春天来了。画面最左侧的是众神使者赫尔墨斯，他正在用手中的双蛇和平之杖驱散冬天里的阴耀。画面最右侧是长有翅膀身着蓝色披风的风神，她把春神送往人间，春神借助风神之力，将鲜花洒向花神。此时女神维纳斯的头上飞来了爱神丘比特，他蒙若眼睛将象征着爱情的箭射向人间。象征“华美"、“贞淑”和“欢悦”的美惠三女神身着透明的纱衣，绷朗起舞。这是一幅描绘大地回春，欢乐愉快的主题。然而，画中人物的神态，并无欢乐之气氛，反而像春天里吹来一阵西北风，笼罩着一层春寒和哀愁；若有所思的维纳斯，旁若无人，进入自己的内心世界；三美神的舞姿似乎是受命起舞，颇有逢场作戏的感觉。

自文艺复兴开始，人文主义精神渗入艺术创作，画家往往借助于宗教神话题材和神的形象，寄托自己对社会、自然和人生的思想情感，传达自己的理想，在波提切利所塑造的艺术形象中，都寓含着对现实的惶恐不安。此时的波提切利体弱多病，抱病从命作画，这种心境所创造的艺术形象自然也就忧都哀伤了，可见此时的画作已经附着了作者的情感，大大提升了艺术的高度。

如果说乔托是意大利佛罗伦萨画派的第一位画家，那么波提切利就是文艺复兴初期佛罗伦萨最后一位画家；如果说乔托是文艺复兴初期的开拓者，那么波提切利就是文艺复兴初期的完成者。波提切利后期的绘画中又增加了许多以古典神话为题材的作品，风格典雅、秀美。特别是他大量采用教会反对的异教题材，大胆地画全裸的人物，对以后绘画的发展影响很大。《春》和《维纳斯的诞生》是最能体现他绘画风格的代表性作品。波提切利还是意大利肖像画的先驱者。

16世纪上半叶，意大利虽然处于战乱，但是依旧阻止不了文艺复兴盛期的到来。这个时期艺术领域的竞争趋向激烈，画家们广泛探索自然科学与艺术文化，取得了更大的艺术成就。此时的佛罗伦萨画派对前辈们取得的成就加以概括与总结，同时更重视解剖和透视等基本法则，强调画面的视觉效果。这段时期的绘画题材从宗教扩大到现实生活，他们开始对自然景色加以关注，在人物形象上更加苛刻，塑造出了更加完美的形象。着重表现画中人物复杂的内心世界。文艺复兴盛期最具代表性的3位大师是：达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。他们被誉为“文艺复兴三杰"，不仅把绘画技巧提升到前所未有的高度，而且为美术理论的建立立下了不朽的功勋。

达·芬奇在作画时，反对机械式的模仿，他要求通过对人外形的表面描绘，挖掘人内在的精神气质和性格特征。如图3-6所示，《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作，代表了达·芬奇的最高艺术成就。这幅画成功地塑造了资本主义上升时期一位城市资产阶级的妇女形象。蒙娜丽莎真实名叫丽莎·乔宫多，是一名佛罗伦萨丝绸商人的妻子，育有六名子女，过着舒适无忧的平凡中产阶级生活，画像时她24岁，当时刚失去了女儿，悲伤、压抑。据说，达·芬奇为了让她面露笑容，特别请了乐队为她演奏、唱歌和讲笑话。蒙娜丽莎的感情世界是复杂的，达·芬奇通过自己敏锐的观察和精湛的技艺，真实再现了她复杂的情感。五百多年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑揣测不断，甚至同一观赏者在不同时间欣赏这幅作品都有不同的感受。她的微笑时而给人温柔舒畅、时而哀伤压抑、时而严肃嘲讽。画作不能像雕塑一样光线变化明显，但是在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影若隐若现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱，而她的笑容正是靠这两个部位来体现的。达·芬奇利用“无界渐变着色法”，使其各自都没有明确的界线，从而诞生了让所有人都提摸不透的“神秘微笑”。荷兰的一所大学利用“情感识别软件”分析出蒙娜丽莎的微笑包含的内容及比例：高兴83%、厌恶9%、恐惧6%、愤怒2%。

在构图上，达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，将透视点略微上升，使构图呈三角形，这样蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。另外，通过看她后面的背景和透视关系，让我们看到了一个立体的活人，左右透视不一，从左至右欣赏时。蒙娜丽莎好像在逐渐下降，反之则相反。

达·芬奇不仅是伟大的画家，而且是一位学识渊博的科学家、寓言家、雕塑家、音乐家、哲学家、医学家、生物学家、地理学家、工程师和发明家，可谓“通才”。他在1482年向米兰大公所写的自荐信上称自己首先是军事工程师，其次是建筑工程师和水利专家，最后才是画家和雕塑家。他一方面热忠于艺术创作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也研究自然科学，为了实现真实感人的艺术形象，他广泛地研究与绘画有关的光学、数学、地质学、生物学等多种学科，他的艺术实践和科学探索精神对后代产生了重大而深远的影响。他的代表作还有《抱银鼠的女子》、《维特鲁威人》、《最后的晚餐》等。

作为文艺复兴的巨匠，米开朗基罗以他超时空的宏伟巨作，在生前和后世都创造并留下了无与伦比的巨大影响。他和达·芬奇一样多才多艺，兼雕刻家、画家、建筑家和诗人于一身。他享年89岁，其中有70余年的艺术生涯，他经历的人生坎坷和世态炎凉，使他所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势以及史诗股的悲壮。

如图3-7所示，《创造亚当》是米开朗基罗壁画代表作品中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名，当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓，后又中断。1508年，他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务，他当时的心情是气愤又郁闷的，不料此壁画后来成为他生平最大杰作。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右，是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑边框画了连续9幅大小不一的宗教画，均取材于《圣经》从开天辟地直到洪水方舟的故事。这幅巨型壁画历时4年多才完成，由于长期仰面艰苦作画，他颈项僵直，书信都要置头质仰视。壁画中以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮、气魄宏伟，具有强大的力量与意志，显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，给予同时代人深刻的启示。

画面右上方是上帝在天使们的簇拥下，飞向亚当，画的左下角是亚当，他全身裸露，倚躺在一座绿色的小山坡上。米开朗基罗在创作这幅画时，对原来的故事情节稍稍做了一些改动，原来应由上帝将生命的灵魂吹到亚当身上，他将其改为上帝将手伸向亚当，亚当的目光中流露出渴望得到智慧和力量的神色，亚当的左手正缓缓地伸向主神，眼看两只手就要接触，世界也即将在接触的一瞬间改变，这是创造人类生命最关键的一刹那。但是这两根手指之间的距离却被米开朗基罗永远地保留了下来，这段距离让你我用自己的思考去填补吧！

在致力于领悟前人成就的同时，米开朗基罗致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为发掘人体力量美表现的美术家。不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇艺术作品，米开朗基罗的作品以力量和激情见长，具有一种英雄精神。他的代表作还有《大卫》、《晨、暮、星、夜》、《摩西》、《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》等。

作为三杰中最年轻的一位，拉斐尔潜心研究各位大师的艺术特点，并认真揣摩，博取众家之长，尤其是达·芬奇的构图技法和米开朗基罗的人体表现，最后形成了独具古典气质的圆润秀美风格。代表了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义绘画的典范。拉斐尔谢世时年仅37岁，但由于他勤勉地创作，给世人留下了300多幅珍贵的艺术作品。其代表作有油画《西斯廷圣母》、壁画《雅典学院》等。

如果说圣母像让拉斐尔有了自己的风格，那么梵蒂冈的壁画则使拉斐尔的艺术成就达到了巅峰。1508年，25岁的拉斐尔离开佛罗伦萨，经他的叔叔-监造圣彼得教堂的建筑家布拉曼特推荐，来到罗马，开始为教皇尤利乌斯二世工作。教皇是一个野心家，他想把意大利所有的优秀艺术家都集中到罗马，用艺术美化这座城市，使罗马成为全世界的艺术中心。自1508年开始，历时10年，拉斐尔为教皇宫殿绘制了大量壁画，其中以梵蒂冈教皇宫内的4组壁画最为出色，总题目为《教廷成立及其巩固》。壁画分列4室：第一室的画题是《神学》、《诗学》、《哲学》和《法学》4幅；第二室是歌颂教皇的权力与荣誉；第三室画的是已故教皇利奥三世与四世的行状；第四室内的4幅壁画，系由其学生按照拉斐尔的草稿绘成。而第一室内的《哲学》，也叫《雅典学院》，是该室4幅壁画中最成功的杰作，如图3-8所示。

这幅壁画，以两位伟大的学者-柏拉图与亚里士多德为中心，他们各自左手都拿着一本书，似乎在争论着世界的本质，一边争论一边向观众方向走来。柏拉图右手手指指天，表示一切均源于神灵的启示；亚里士多德是唯物主义者，他用右手手指指地，似乎在说现实世界才是他研究的课题。这两个对立的手势，表达了他们思想上的原则性分歧。全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代和领域的著名学者，多达50多位，有以往的思想家，也有当世的名人。他们在自由地讨论，场面热烈，好像在举行什么典礼，洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人类智慧的精华。在建筑物两侧的壁毫里，有两座雕像，分别是智慧女神雅典娜和音乐之神阿波罗。中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，这是一个极其神圣的环境，学者们被对称、自然而富有节奏地安排在台阶的两侧，犹如众星捧月一般，他们有的在注视、有的在研习、有的在谛听这两位老人的辩论……

亲切自然、平易近人是拉斐尔作品的最大特色。别具匠心的推敲融化在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界里，一切都是自然的流露。他所创立的样式美成为后来学院派古典主义的标准之一。他的风格在《圣母玛利亚》、《椅中圣母》、《西斯廷圣母》等作品中都得以鲜明的体现。