西方艺术流派有哪些？印象派的由来和作品赏析

在艺术发展的历史长河中，最重大的一次变革就是现代艺术取代传统艺术。这次重大的转变不是一蹴而就的，除了之前我们介绍的各个历史时期的流派之外，中间还有一个重要的过渡环节印象派艺术。

印象派，19世纪60-90年代在法国兴起的画派。

印象派的产生是西方绘画发展的必然结果。绘画白16世纪威尼斯画派起就关注光和色彩的描给，尤其是提香；而后经鲁本斯、委拉斯凯兹、伦勃朗、哈尔斯和雏米尔等大师的发展，在他们的作品中都闪耀着迷人的色彩，尤其是善于描绘阳光的维米尔，他曾描绘过充满阳光的房间，可请印象派的先驱者；英国风景画大师透纳和康斯太勃尔的画中充满阳光和空气，使法国的浪漫主义大师德拉克洛瓦如获至宝，他在自己的画中都竭力去表现光和色彩，人们称他是“打开印象派天窗”的画家；巴比松画派开创室外写生的先河，这也为印象派画家开辟了创作取材的道路；库尔贝的画中已经充满了阳光。因此在前辈大师们的探索成就之上，印象派的诞生不是偶然事件。

印象派画家反对当时占正统地位的古典学院派，认为浪漫主义绘画是在无病呻吟，他们在柯罗、巴比松画派和库尔贝等人的写实画风的推动下，吸收荷兰、英国、西班牙、中国、日本等国家绘画的营养，同时受现代科学，尤其是光学的启发，认为一切色彩皆产生于光，于是他们根据光谱红、橙、黄、绿、青、蔬、紫七色来调配颜色。由于光是瞬息万变的，他们认为只有捕捉瞬息间光的照耀才能揭示自然界的奥妙，因此在绘画中注重对外光的研究和表现，主张到户外去，在阳光下依据眼睛的观察和现场的直感作画，表现物象在光的照射下，色彩的微妙变化。由此，印象派绘画在阴影的处理上，一反传统绘画的黑色而改用有亮度的青、紫等色。印象派绘画用点取代了传统绘画简单的线与面，从而达到传统绘画所无法达到的对光的描绘。具体地说，当我们从近处观察印象派绘画作品时，看到的是许多不同的色彩凌乱的点，但是当我们从远处观察它们时，这些点就会像七色光一样汇聚起来，给人以五彩就潮的光感。

印象派不是一个单纯的画派，由于画派中每个人的兴趣不同，艺术主张也由此产生分歧，加上时间的排移，个人艺术风格也逐渐发生变化。因而印象源画家主要分为重光色与重造型两类。美术史上将笔统的印象派分为：印象派，代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯菜、毕沙罗、莫里索、惠斯勒等；新印象派，代表画家有修拉、毕沙罗、西斯菜、西涅克；后印象派，代表画家有塞尚、凡·高、高更等，如图3-26所示。

马奈于1832年出生在法国巴黎，被誉为“印象派之父”，但是他从未参加过印象派的展览，可是他所具备的革新精神和创作态度，却深深影响了莫奈、塞尚、凡·高等新兴画家，进而将绘画带入现代艺术的道路上，他受到日本浮世绘及西班牙画风的影响，大胆采用鲜明色影，舍弃传统绘画的中间色调，将绘画从追求三维立体空间的传统束缚中解放出来，向二维平面绘画创作迈出革命性的一大步。他的画既有古典造型基础，又有明壳鲜艳、光与色的整体表现，舍去了阴影，却不失真实感

在当时的法国。参加艺术沙龙是很多艺术家借机展出作品的重要途径，然而马奈的作品经常遭到评审委员会的冷落，在经历多次失败之后，马奈走出了他人生最重要的一步，1862年到1863年间马奈创作了一幅油画，原名《浴》，后来定为《草地上的午餐》，这幅画成为现代绘画起源的标志性作品，马奈将其在1863年的“落选者沙龙”中展出，如图3-27所示。

这耀作品马奈效仿了占浮宫内乔尔乔肉的《田阅合奏》的构图，但也不完全是16世纪威尼斯那种田阅诗绘画。函上那个裸体女子是他在早期画作《穿斗牛士服装的维克多莉娜·数朗》中的模特默朗。她是马亲从街上领回的一个妓女，长期为画家充当模特儿。此画一经展出，便引起了罕见的囊动，他直接表现了尘世环境，把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，画中两位男子和裸体女人的肢体互相交缠，这样就把此画的性恋含义凸显了出来。这一真经叛道的艺术形式默起了一场轩然大波。画家将3个人物置于同一类树木茂密的背景中，中心展开了一个有限的深度，不远处还有一位弯腰站在水里的女子，成为与前景中3个人物组成的古奥式三角形构图的质点。画法上对传统绘画进行大职的革新，摆脱了传统绘画中精细的笔鞋和大量的棕褐色调，代之以鲜艳明亮、对比强烈近乎平涂的概括性色块。在技法上，马奈把绘画作为二维平面表现三维空间的手法又向前推进了一步，在对外光和深色背景下出现作了新的尝试，因此此画在艺术技巧和历史意义上都是一个创新.但是这幅作品不管是露材还是表现方法都与当时占统治地位的学院派相悖，因此使他们无法忍受。

1865年展出的马奈另一件作品《奥林匹亚》1模特和《草地上的午餐》上的女模特是同一个人）。《奥林匹亚》是对提香的《乌尔宾诺的维纳斯》进行模仿，可是前者描绘的是维纳斯，而后者描绘的是凤尘女子，所以这就不被道德接纳了。这幅作品同样纹起了一场轩然大液，也陷入同样尴尬的境地，遭到社会各界猛烈抨击，被咒骂为“无耻到了极点”。以左拉为首的进步作家和青年画家们则为马奈瑞彩。左拉说："马奈将在卢浮宫占一席地位。.这场争论使马奈名声大振，一批年轻画家追随马奈，努力探索新的创作手法，被当时的人讽刺为“马条帮"，这就是后来著名的印象派。

印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的聚峰，也可以看作是现代艺术的起点。有一个人的名字与印象派是密切相连的，这个人就是克劳德·莫奈。如果说印象派的创始人是马奈，那么梅印象派发扬光大的非莫奈莫属，因为他对光影变化的描绘，已达到了炉火纯青的地步。

莫奈是印象派代表人物和创始人之一，也是法国最重要的画豪之一。“印象派”这个名字就是由他的那幅《日出·印象》而来的。印象派的理论和实践大部分都有他的推广。莫亲擅长光与影的实践与表现技法，他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法。在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。除此之外，莫奈对于色彩的运用相当细腻，他用许多相同主题的画作来探索色彩与光的完美表达。莫奈曾长翔探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象进行多幅的描缝，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感觉。对这一艺术环境的形成以及描绘现实的新手法，莫亲贡献比其他任何人都多。

莫奈也有一幅叫做《草地上的午餐》的名作，如图3-28所示。据说，现存的这幅作品只是小的草图。年仅25岁的莫奈在含依普画过一幅尺寸很大的《草地上的午餐）。那时，库尔贝也在这个地方作画，他很喜欢莫奈的作品，常来看他作画并给《草地上的午餐》提一些惨改意见。此画完成后，莫奈十分后悔听了库尔贝的意见，对作品很不满，决定不送沙龙展出。在离开含依时，莫奈因缴不起房租而将此画作抵押，可惜因房屋潮湿，后来这幅巨作被损毁了，仅留下了这幅小的草图。这幅画从题材和构图上来看肯定是受马奈的《草地上的午餐》的启发而作的，也可能是想和马奈一比高下。虽然与马奈是同名作，但是它们有很大的不同。首先马奈的作品是在室内完成的，而莫奈却是在室外按照自然界的实际光色去完成的，相比之下，莫奈的《草地上的午餐》在描绘外光的生动和景物的真实自然方面，确有过之。其次马奈的作品是从道德层面把印象派和传统艺术对立起来，而莫奈是从绘画技法上把印象派和传统艺术对立起来。画中阳光透过林木酒在人物身上和地面景物上，透明灿烂，令人耳目一新。莫奈在视觉观察方面无疑是一个富有创造性的天才，他善于从光与色的相互关系中挖掘前人从未发现的某种现象。他把全部注意力都集中在光与色上，从而找到了最适于表达光与色的明度差别变化的形式，他把这种光色明度差别变化从绘画的各种其他因素中抽象出来，并把它提升到其他人无法攀登的高度。莫奈的视觉观察是天才的、创造性的、无与伦比的！

从印象派的产生、发展来看，莫奈是这一流派的开创者与发扬光大者，他将毕生精力献给了印象派绘画艺术。在他的带领下，一大批艺术家通过不懈努力，突破了学院派保守思想的束缚，对19世纪后期西方画坛占据统治地位的官方艺术予以了极大的冲击，从而翻开了西方现代绘画史崭新的一页，为后世留下了宝贵的艺术财富。应该说莫奈是印象派画家中最先获得成功的人。

印象派是众多画家的总称，但是不代表每一位画家都有共同的艺术倾向。只有把握他们的共性，又能区分他们的不同，才可以对印象派有更深层次的了解。德加就是一位特立独行的印象派大师。德加与其他印象派画家持有不同的观点。第一，一般印象派主张户外作画，对景写生，他则坚持室内作画，强调用记忆来作画，反对莫奈和其他印象派画家完全的对景写生。另外，他绘画的对象不是景色，而是人。第二，他强调用素描来表现生动的形象，尽管他采用了最为广泛的创作手法，但是最终还是选择了色粉画作为自己标志性的创作手法，正如他所说：“我是善于用线的色彩画家。”他把色彩仅仅看作是从属对象，而侧重于用素描来“捕捉动态”。德加是安格尔弟子的学生，他追随古典主义素描的步伐，在线的运用上，达到了所有安格尔的弟子及其追随者没有一个能够企及的、妙笔生花的地步。他通常被认为是属于印象派，但他的有些作品却具有古典主义、现实主义或浪漫主义画派风格。

在印象派画家中，德加可以称为是现实主义绘画巨匠。他所描绘的题材大多是巴黎普通老百姓的生活场景，跑马场和剧院是他经常出入的场所，因此他的很多作品都表现的是赛马或芭蕾舞女演员，因此成了表现运动的能手

如图3-29所示，这幅《舞台上的舞女》是德加的代表作之一，表现了一位轻盈的舞女从后台翩翩登场。画家以她的动作为媒介，展示了光与色的绚丽。这里的光与色与莫奈画面的光色是不同的，这是室内灯光照射的效果，它成为印象派绘画中最脍炙人口的佳作。舞台上的布景与绿色的地毯搭配得相得益彰，烘托出光照下的舞女形象，显得虚无而缥缈、灵动而绚丽、多彩而变幻。有心的朋友会发现，这幅作品和以往我们见到的其他大师作品的构图有着明显的不同，采用的是俯视加近镜头的构图方式。这种构图在现在的电影、摄影或漫画中是很常见，但这种奇特的视角在当时可以说是一个具有革命意义的创举。为了反衬出人物的生动，故而去强调无生气的细枝末节。这些方法的创造与今天的摄影机给我们的视觉感受不谋而合。

在所有印象派画家中，雷诺阿也许是最受欢迎的一位，因为他所画的都是漂亮的儿童、花朵、美丽的景色，特别是可爱的女人。少年时的雷诺阿被送到瓷器厂去学习手艺，画瓷器和画屏风这项工作使他对绘画产生了浓厚的兴趣。于是雷诺阿便到美术学校学习绘画，同时又在格莱尔的画室里补习素描。在那里，他结识了莫奈、巴齐耶和西斯菜，他们组成了“四好友集团"，经常走出画室到大自然中写生。

雷诺阿同样也以画人物出名，在他的画中，我们能感受到甜美的人物和悠闲的气氛和谐融洽。

他所表现的人物都有丰满的体态，明亮的脸和纤细的手。印象派中雷诺阿的特色就在于他能把握并描绘迷人的气质，从他的画作中你很少能感觉到苦痛或是宗教情怀，但常常能感受到人间温暖，如慈母或是长姐般灿烂的笑容。雷诺阿认为绘画并非刻意去分析光线和安排布局，绘画只是要带给观众心情的愉悦，他把从模特那里所得到的赏心悦目的感觉直接地表达在画布上。他曾说过：“为什么艺术不能是美的呢？世界上丑恶的事已经够多的了。”他是女性形象的崇拜者，他说：“只有当我感觉能够触摸到画中的人时，我才算完成了人体肖像画。

19世纪70年代雷诺阿和莫奈经常共同外出写生作画，切磋画技，共同探素画中的光与色的描绘。1876年，雷诺阿在《红磨坊的舞会》一画中，真正实践了“光是绘画的主人"这一句印象派的口号，这幅作品是印象派绘画在风俗方面的重要代表作，如图3-30所示。它描绘的是巴黎的一个著名咖啡馆的露天舞会。画面用蓝紫为主色调，使人物由近及远，产生了层次丰富的节奏感，画面似乎并未完成，更像是一幅速写。雷诺阿把主要精力放在对近景一组人物的描绘上，生动地表现出阳光和树影在人物身上和脸上那光色斑澜的跳跃感，呈现出鲜艳色彩的悦目混合，渲染了舞会的气氛，这幅西既表现了一个狂欢的场面，又捕提到了在贵族舞会中常有的那种无忧无虑的生活情趣。画家甚至用带有速成式的粗放笔触来表现前景的几个人物，这一反程式的大胆手法不仅没有让画面失真，反而使画菌更加活跃、跳动、闪烁。这一作品用这种方法表现规模索大的场面，透过树丛的星星点点的阳光，酒落在人们的身上、脸上、桌上和草地上，是印象派绘画在风俗方面的重要代表作。表面上看作品是描写费场热闹和欢快的气氛，实际上画家真正想要表现的是透过树叶间腺照射下来的阳光.

需诺问在创作上把传续画法与印象派画法相结合，以绚丽透明的色彩表现出阳光与空气的鼓动.这种明朗欢快的气氛别具一格。

由于追求外光和色彩的表现，印象派画家将身边琐事与见闻作为创作题材，以自然界中的人物或风操作为描绘对象，在构图上多裁取客观物象的某个片段或场景来人画，打破了写生与创作之间的界限。

印象派画家先后举办了8次展览，虽然前两次均受到当时类论界的猛烈释击，但是之后的6次展览使其逐渐成为具有影响深远的美术流派，并扩大到其他艺术领域，推动了以后美术技法的革新与观念的转变，对全世界画家都产生或大或小的影响。虽然马奈没有参加这8次展览，但他一直给予鼓励和支持。作为一种美术思潮，印象派绘画在世界美术史上具有重要地位。

新印象派，又称点彩派，是继印象派之后在法国出现的美术流派。1886年5月，在巴黎举办的第八届印象派作品展览上，修拉展出了他的一幅毕生杰作《大碗岛上的星期日下午》，获得极高评价。同年12月美术批评家亚塞奴·亚历山大在一家杂志《艾维奴量》中首次用"额印象派"

一词来称呼以修拉为首的一群画家，包括修拉、西湿克、毕沙罗、吕斯、克罗斯等。这就是新印象派名称的由来。

新印象派的出现和科技的发展有密切的联系。光学和色彩学的理论及实践成果得到进一步的巩因，有力地推动着包括绘画在内的造型艺术从观念到技术上的革新。新印象派画家们吸收了关于色彩对比以及颜色、色调并列所产生的混合效果的理论，认识到单纯色彩通过视觉的混合比色影色素的混合更有艺术效果，此外，一些学者强调科学在绘画中的重要作用，主张运用科学成果来服务给画创作，进一步促进了新印象派的诞生。

至于新印象派为什么又叫点彩派，可以从代表画家们的画作中找到答案。画家们大多直接用画笔藤纯色点到画布上，而省去了调色盘这一中间环节，他们在画面上使用纯色，这样中间色通过画而距离在眼中自然混合而产生。例如，绿色是用黄色和蓝色调成的，但如果画家把黄色和蓝色酸点到面布上，不使其在调色板上混合，观众的眼睛在一定的距离看过去时，仍是“绿色”的感觉，这样就避免了在调色板上所造成的色彩混浊，保持了色彩本身的明度与纯度，使画而鲜绝活泼。新印象派除了在色影上的细密分割之外，还在构图上运用数理的构造，把控整体布局，使得整体与部分的关系、人物运近大小关联，均依固定比例分割。他们在绘画上大胆采用了希腊有名的“黄金分割”原则，从形态关系上追求的律的统一。新印象派把西方绘面史上的点彩法和分割法的因素加以发扬光大，自成完备的体系。

新印象派的倡导者是修拉。白西涅克邀请修拉参加印象派，向修拉炫耀了纯色的优越性后，惨拉便在画布上堆起与环境、阳光、颜色的相互作用相符合的小圆点来。修拉潜心研究关于色彩学的著作，他认为印象派的用色方法，不够严谨，多次出现了不透明的灰色。他试图把感觉加以综合上升到理性分析，变成科学的表现形式。

《大碗岛上的星期日下午》是修拉色彩科学实验中最具代表性的作品，也是新印象派的标志性作品。这幅名画描写的是巴攀近郊奥尼埃的大碗岛上一个晴朗的周末，游人在用光下聚集在河滨漫步、休息，有的斜躺在树荫下，有的在河中划船，惬意而经松。前景上的一大块暗绿色调是画面外大树留下的阴影，放眼望去，草地被午后强烈的阳光照射，散发燃黄的气息，阳光透过树林，将树木的阴影散布在草地上，明暗色彩也瞬间被拉开。各种颜色的装束彼此交相呼应，给人以一种装饰地毯的视觉效果。画上的人物也画得很平板，一个个看不清面孔和五官，轮廓也显得含糊不清，似平所有物象都是那么的影影饰掉。

点彩绘画是一种很有意思的绘画方法，道理并不深奥，和小朋友经常玩的拼图游戏类似，一点颜色就是一块拼图，七彩的颜色被艺术家有序地拼接在画面上，远远看去就变得很完整了。看修拉的画感觉很朦胧，人、静物、景物好像都置身于一个虚幻的世界中。远看整体感强，走近看，又发现了更多色彩。色彩丰富、画面生动有起伏。此画的整个创作过程约分3个步骤；1，用素猫的方法确立明暗关系；2，以色彩来组织画面；3，以色点完成正稿。在正稿之前，修拉共作素描20余幅，写生稿更不计其数，正稿如图3-31所示。

修拉的画作虽说不多，但尺寸一般较大，他的画法在很多人看来机械呆板，只单纯地追求形式美，失去绘画本身的肉涵。但他的作品却具有重要的影响力，因为这些精心设计的作品表现出对几何学和形式结构要素的关注，影响了20世纪抽象艺术家的创作。新印象派在近代美术史上，只是试验性地存在了一个短时期，在当时并没有产生什么重大影响，但是它对后来的现代艺术却带来了不少影响。例如，“欧普艺术”（“光效应艺术”和“视幻艺术”）在色影的表现上就是世新印象派的启示。19世纪末，当印象派在巴黎画坛方兴未艾时，其中却滋生出两支派系的艺术倾向：一支是前面讲的建立在机械唯物论思想基础上的“新印象派”；另一支流派也顺沿印象派，但实际上后来是以强烈的个性表现出对印象派的反对，被称为“印象派后派"，也称“后期印象派"，简称“后印象派"。在此时的西方画坛，许多曾受到印象派熏陶的艺术家们开始反对印象派，除了新印象派画家外，被称为“后印象派”的画家们也是一支反对派别。他们不满足于片面的、喜观的光与色，强调作品要抒发艺术家的主观感受，于是开始尝试对色彩及形体等表现因素的自我运用，后印象派自此诞生。后印象派不是印象派的后期。换句话说，后印象派不是印象派，严格地说，是与印象派本质不同的、在印象派之后产生的一个新的艺术思潮，甚至算不上一个派别。后印象派包括许多艺术家，主要代表人物是塞尚、凡·高和高更。1911年，在英国伦敦举行了塞尚作品展，英国艺术评论家杰·弗菜撰文介绍这些艺术家时，把他们称为“后印象派”

塞尚，法国著名画家，是后印象派代表画家之一，他作为现代艺术的先驱，被西方现代画家尊称为“现代艺术之父”或“现代绘画之父”。从塞尚开始，西方绘画从追求真实的描绘自然，开始转向画家自我情感的宣泄，自他开始艺术界逐渐诞生了形形色色的形式主义流派，开辟了现代绘画的潮流之路。他对物体体积感的追求和表现，为后来“立体派”开启了广阔的思路，他所强调的主观色彩特性大大区别于先前强调客观色彩感觉的画家主张。塞尚认为："画画并不意味着盲目地去复制现实，它意味着寻求各种关系的和谐。

塞尚经毕沙罗的介绍加入印象派，并参加了第一届印象派画展。他不拘泥于印象派的光色分析，而为捕捉转瞬即逝的自然现象而苦苦探索。他将自己的情感注入画作，从而确立了自己的艺术方法和风格。初看塞尚的人物画，感觉似乎木讷僵硬，完全不真实，缺乏感性魅力。当你仔细揣摩他的静物，回头再看看他的人物画时，又会觉得淳朴有味。他的静物显得那般的僵硬。他没完没了地画着静物，为了探索各种静止物体的“基本结构"，一画便是几个星期、几个月，甚至几年，直1到水果干瘪缩水，衬布上堆积厚厚的灰尘。为求物体的立体感，他充满激情地寻找着物体的厚度与深度，笔触浑厚浓重。当画笔不能体现色彩的强烈质感时，调色刀就成为替补。他的作品有《苹果与桔子》、《静物苹果篮子》、《埃斯泰克的海清》、《圣·维克多山》、《玩牌者》、《穿红背心的男孩》等。

1895年至1900年的5年时间里，塞尚创作了这幅《苹果与橘子》，如图3-32所示。作品通过自色桌布与鲜艳的水果的强烈对比，反衬出冷暖的色彩对比；圆形、半圆形、方形和棱形相互衬托；弧线、竖线、斜线互为交错，这些色和线的交响，构成了统一和谐的布局。视觉上给人以强烈的刺激，也给观众的脑中留下难忘的艺术效果。静物的色彩是那样单纯，那样富有“活力”。对1比一下卡拉瓦乔的那幅最早的静物，是不是更能给我们带来绚烂的视觉效果？正如画家自己所说的：“我打算只用色彩来表现透视，一幅画中最主要的东西就是表现出距离，由这一点可以看出一个画家的才能。"画家以色彩体现体积和空间，从视觉效果上要远胜于以前以物体质感取胜的写实画面。为什么塞尚如此强调体积和空间感，以致有些物象被他画得既变形又走样呢？这正是画家的内在精神气质使然。在他看来静止的物象成了拥有情感的结构综合体。塞尚说过：“一幅画首先是，也应该是表现颜色。因为一切都藏在它里面，因为画家不是没有头脑的蠢汉。"塞尚能成为“现代绘画之父"是有据可依的。

凡·高的艺术道路值得研究，他27岁开始学习绘画，37岁离世，在短短十年时间中。他从一个默默无闻的普通人，成为一位伟大的具有里程碑意义的大师。凡·高可以说是一位自学成才的天才画家。他从小受到艺术廉陶，又有极高的文学素养，这使他具有很高的艺术鉴贯力。凡·高曾经在比利时矿区博里那日从事牧师工作，他在那里曾遭受巨大的精神打击，对上帝几乎绝望，然而他却在迷茫与图惑中找到了一生的归宿-绘画。他开始大量焰事名画，并画了大量素描习作。学画初期他喜欢伦勃朗，喜欢米勒，他用自己的画笔描绘农民、工人等社会底层的人。深沉厚实的风格虽与其以后的画风有极大的反差，但画中所表现出的气质与精神却是永恒不变的。

凡·高早期作品受印象派和新印象派画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。

他昔两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久，他厌倦了巴黎生活，来到法国南部的阿尔勸，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆探索，向由抒发内心感曼的风格，以实现线和色彩的自身表现力以及画面的装饰性、寓意性。凡·高在巴黎结识了印象派的西涅克和高更等画家后，他的画明显变亮了，画里的色彩特征与其他印象派画家的色彩出现了本质上的区别。由于他对人与自然特有的观察力，因而反映到画面上就有了非凡的个性。凡·高认为自己的作品与一般印象派画家的作品相比是不同的另类。他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更加随心所致。"其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。

凡·高在绘画上毫无经济收入，只是在他离世前，隔壁的一位老太太用了400法郎买了他的一幅油画，这应该是他一生中唯一靠绘画得来的收入。据说这幅画也是他的弟弟提奥托这位老太太买的。他的生活费用也来源于提类每个月给他邮寄的100法船。倘若凡，高只是生活，这些钱尚可维持温饱，但是凡·高是那么的热爱绘画，所以他坚持用这些钱来购买别人卖不出去的画，或者把钱送给比他更穷的人。他经常一周或十天只喝清水，吃除来的面包，生病时，他会平静地躺在地上.孤独地忍曼命运的不公。凡·高后来得了精神病，因为妓女的玩笑话割了自己的一只耳朵，在医院里他创作了《割了耳朵的凡·高》。凡·高说他想表现的是一幅“现代的肖像画"，然而在一百多年后的今天，这幅画仍然是那么的感人，的确他的画很现代，甚至組前。之后他进了精神病院在那里还完成了名画《星夜》。他在阿尔还画了《同尔的女人》。凡，高一生没有妻子，但是不表明他没有爱情，据说这幅肖像画的模特叫玛雅，她也许是凡·离一生中唯一爱他的女人，她向他表白：在凡·高失业后第一次拿起函笔的时候，也就是8年前，她就认识井爱上了他，然而那时他却一无所知，凡·高自卑地面对玛雅的爱情表白，在他看案，自己是天下最丑陋的男人，瘦骨導詢还秃着头，怎么会有人喜欢自己呢，然而玛雅爱的是他的热情与执着。值得注意的是，这位女士是那个时代对凡·高艺术作品做出唯一正确评到的人。就连凡·高自己也不会想到今天自己的作品会如此卖座，当然我所说的卖座不是单纯的价格，而是包括他的艺术价值。玛雅对失落的凡·高说道：“你是一个了不起的画家，人们今天不理解你的东西不代表日后不被人理解。你的作品日后会卖上一百万，将挂在阿姆斯特丹、海牙、巴黎和柏林的博物馆，成为无价之宝，成为人们争相膜拜的对象；将来会有很多人写评价你艺术价值的书；不论在何时何地，只要有两个热爱绘画的人在一起交谈。凡·高这个名字必然要提起，而且是那么的光彩与神圣！"在今天看来，这位阿尔的女人可谓先知，她的评价多么精准。

堪称凡·高化身的《向日葵》，可以说是凡·高最为大众熟知的一幅作品。凡·高曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他一生中共创作了11幅《向日葵》，有10幅在他死后散落各地，只有一幅目前在凡·高美术馆展出，如图3-33所示。当然，这个数据还有待商榷，因为时而有真品问世.

时而不乏腾品被披露。在凡·高看来，太阳落到地上就成了向日葵，而天上的太阳正对应着凡。高的思想感情：热烈、富有阳光气息、充满爱。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。这一作品也是他在最痛苦的煎熬中倾心绘制出来的最充满光明的精神追求的作品。画面上，浓重跳跃的金黄色似乎带着燃烧的激情，粗犷奔放的笔触表露着对美好生活理想的渴求。凡·高笔下的向日英已不是单纯的植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。

凡.高在1890年7月29日，因精神疾病的困扰，在麦田中用手枪结束了自己年轻的生命。第二年在巴黎举行的凡·高艺术回顾展上，他的作品震动法国艺术界。之后几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实做如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义。法国的野兽主义、德国的表现主义及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都是从他的创作中得到启发，形成了各自不同的绘画流派。

后印象派将形式主义艺术发挥到极致，几乎不顾及任何题材和内容。在艺术表现上，后印象派更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，用作者的主观感情去改造客观物象，后印象派带有强烈的主现主义色彩，他们的画作可以称为“主观化了的客观"。他们在尊重印象派光色成就的同时，不去片面地追求外光，而是侧重于表现物质具体而又稳定的内在结构。可悲的是，后印象派西家大多是在去世后才得到社会的承认，但是，他们共同开启了现代艺术的大门。在他们的创作思想和艺术观念影响下，20世纪产生了现代主义艺术的请多思想，例如，野鲁主义、表现主义、立体主义、超现实主义、抽象主义等。至此，西方给画的面貌被彻底地改变了，由客观再现走向主观表现。因此，可以说，后印象派画家为西方给画艺术史开启了另一扇崭新的大门。

让我们走进这扇与以往艺术都不同的大门吧。西方现代派艺术，是指西方国家从20世纪初发展起来的现代美术中的某些流派，如野兽派、表现漲，立体派、机械派、来来主义画派、形而上画派、超现实主义画派、轴象主义画派，达达主义画添、大地艺术、偶发艺术、波普艺术、概念艺术等的统称。“现代派"一词是和某种新的、丰传统的、区别于过去的艺术思想联系在一起的。现代派艺术既不同于以往的传统美术，比如传统艺术求真写实，现代派艺术则坚持绘画作品中的艺术影象可以与客观物象无关，作品重视纯粹的形式或色彩感，肉容和情节无关紧要，所以说现代派艺术是对以往艺术的颠覆，同时现代派艺术也不包括现代的各种现实主义流漲，比如说画家虽然生活在现代，但是画家的画风却是古典主义或者现实主义的，这种艺术作品也不能和现代艺术流派混为一谈。

现代艺术的诞生是必然的，因为哲学的辩证法告诉了我们，任何事物发展到一定阶段就会向相反的方向前进。求真务实的传统艺术发展到了一定阶段后必然也会向反面转换，但是这种转换不是分裂，所以很多人会信心满满地说：现代艺术太简单了，你看看毕加素的画，还没有我画的好！如果你这么理解，那就很无知了。因为现代艺术不是从天而降，它是根植于传统艺术的。西方现代派艺术的出现是有其政治、经济、文化、哲学的历史根源的，是与现代西方社会的发展进程紧密相连的。新技术革命使社会结构与人的思想意识观念发生了改变，摄影技术的日益成熟、东方艺术和非洲艺术的传播，康德、黑格尔、尼果、弗洛伊德等人的哲学与心理学影响，以及西方现实社会的种种矛盾和弊端的暴露，都促进了现代派艺术的形成。而现代艺术本身的发展是和整个欧洲美术发展历程息息相关的，现代派艺术思潮是从印象派前后这个时期萌发的。确切地说，起源于法国后印象派画家塞尚、高更和荷兰西京凡·高。

1905年，以马蒂斯为首，弗拉曼克等人为骨干力量的野善派在巴黎诞生。在这一年的秋季沙龙中，马蒂斯展出了两幅作品。这两幅作品粗野奔放的笔触、均匀纯样的色调搭配虎证不羁的线条连同与其摆放在一起的那尊温文尔雅的多纳太罗雕塑，令在场的一位艺术评论索大惊失色，他大呼道：“多纳太罗的雕型被一群野善包围了。"野兽派因此得名。野兽派代表画家有马带斯、弗拉曼克和德兰，他们从塞尚的作品中得到启发，在艺术形式上深曼高更和凡·高的影响，用强烈的色彩、粗野的线条、扭由夸张的形体，来表现对客观世界的主观感受。

与此同时，表现主义在德国诞生，他们同样主张否定客观存在，强调艺术家主观感妥。但是他们与野普派不同的是，他们并不注重纯粹形式的探究，而是用绘画的语言来表示对现实的不满，代表西家有擇威的蒙克。

1908年，以西班牙西家毕加索和法国画家布拉克为首的立体派在巴黎萌生。立体派主张将-

切物象加以分解和破坏，再加以主观上的整合，甚至发展到把同一物体的几个不同方向的而组合在同一画面上，借以表达四维空间。这一风格彻底顺覆了观赏者的常规视觉思维，因此在现代艺术的道路上，立体派比野兽派和表现主义走得更远。

近代画坛上，许多画家以改革者或宗派开创人自居，他们不愿意隶属于某个派别或者固定的团体。莱热就是其中之一，他率先开创了机械派绘画风格。莱热本来属于立体派。在1907年至1908年期间，他受到塞尚画风的影响，画而中经常出现围简形、半圆形等几何形态。第一次世界大战之后，汽车、飞机、大炮等给莱热带来了新的创作灵感，他逐渐从立体派转型为机械派，确立了一种独特的画风。

自立体派形成以后，各种新理论、新观念纷纷涌入欧洲。未来派就是其中之一，1909年2月意大利诗人马利奈蒂在巴黎的《费加罗报》上发表《未来主义宣言》，对陈目的古典美术公然提出排战。他在这一年中，向全世界发表了一个宣言，这个宣言以浮夸的文部宣告过去艺术（过去派）的终点和未来艺术（未来派）的诞生。从宣言中可以看出未来派的艺术主张，他赞美机器、物质文明和冲击力的新时代的价值。在马利奈蒂思想的鼓动下，画家卡拉、博养尼、鲁索洛、巴拉和塞韦里尼在米兰签署的《未来主义绘画宣言》发表，宣言呼吁画家们发展未来主义的风格。于是，未来派在1909年以前卫的姿态开始在意大利发展。他们排斥过去作为绘画手段的情调和预期的趣味，称颁有独创性的形式，在主题上也否定老一套的东西，认为重要的应是描给现代的都市生活，诸如钢铁、速度、刷烈的运动等，他们甚至把战争、暴力和恐怖都看作是確毁旧世界，创造新未来所必需的手段。未来派的美学主张与表现主义有相同的地方，只是他们特别强调表现运动和力量，口号更激进，思想也更极端，纲领更明魂，虚无主义的色彩更浓厚。

正当意大利轰轰烈烈地进行着未来主义运动时，有一些艺术家开始对未来主义表示出不满的情绪，认为未来主义只是一味地去追求肢解形象，进而组合成动感的画面。他们主张绘画应该表现出人们通过哲学进行幻想后所强化的形象，并结合“非现实”的背景来向观者传递神秘感。基里词是这一画派的开创者。他说：“真正的艺术，应该是更完整、更深奥而复杂的，换言之，就是影而上学的艺术。“这也是“形而上绘画”名称的由来。形而上画派着力表现西方社会的病态，对科技进步持怀疑态度。如同它的名字，这个画派深受摄本华和尼采唯心主义的影响，但弗洛伊德思想的影响更大。事实上，他们比后来的超现实主义画派更早地体现了精神分析学中关于直觉、幻党和潜意识的应用，作品中充满了神秘怪异的气氛，描绘的多为物体的稳固、无时间性和不朽性。

1914年至1918年的第一次世界大战给欧洲各国留下了惨痛的创伤，一批青年艺术家齐集孩士他们追求的崇高理想和光明前景已被战火烧光，出于对社会的强烈不满，他们于1916年4月16日发表了《达达宣言》，达达派就此诞生，达达派的基本主张认为艺术就是非艺术，掏应否定艺术，歌领新艺术就是非艺术。从而出现了一系列怪巡荒谬的作品，如杜桑的《带胡须的聚源丽莎》。.

1924年，在法国的葡萄牙诗人，原达达派骨干分子布莱锁发表了《超现实主义宣言》，并提出超现实主义就是“纯精神无意识的行动”，这种所谓的自动记述法，利用图画象征、造型隐瑜、改变环境等手法，表现荒谬、混乱的感觉和形象。细现实主义说白了就是梦境，它遵猫的是真地利心理学家弗洛伊德精神分析学的“潜意识”学说。这一学说认为，人一切行动的最深刻的原因是人的下意识、无意识，现实生活仅仅是表面的、虚伪的，真正的“现实"则是藏在心中的下意识和无意识，因此表现下意识或无意识的作品就被称为超现实主义作品，最广为人知的超现卖主义大师就是达利了。

1901年前后，经过多年侨居法国的俄国画家康定新基、荷兰画家蒙德里安等人的数年摸索抽象主义终于形成，艺术家接脱造型艺术再现视觉感受的传统，把点、线、而视作自主的表现力元素，使之卖成有象征意义的符号，从而把艺术家的情感传达给观众，第二次世界大战后，美国动作两派的创姓人杰克逊·渡洛克开始转向抽象表现主义。他不用笔画，而是在画布上乱撤料；画而上没有任何具体形象和生活内容，只有游点状的东西扩散开去，从而超越了有框绘画的狭小范围.

使画而具有一种无限空间的感觉。进入20世纪60年代，独象表现主义更加趋于形式化，于是有的艺术家反其道而行之，从“极端抽象”转入“丰常具体"-转向生活中的实物。这就是始于英国而后风凰美国的波篱艺术（也称流行艺术），它是第一个由美国兴起的艺术运动，美国兴起此艺术运动与当时纽约想要取代巴黎成为世界艺术中心是有关系的，波善艺术也是第二次世界大战之后西方艺术的第一个重要的运动，享有的地位无与伦比。它是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新的时代的到来。自此之后的一段时期里，西方现代艺术的中心从巴黎转移到了纽约。

马需斯，法国著名画家，是野兽派的创始人及精神领袖。由于野兽派没有具体的机构，因此马满斯不是实际领袖，只能说是精神领袖。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。由于一次生病，令马蒂斯的绘西热情一发不可收拾，这个偶然的机缘成为他一生的转折点。1890年，在他20岁的时候由于圆尾炎手术在家养病休息。为了排遣寂寞，母亲给他买了画具，马蒂斯从此走上了他热爱的艺术道路。用他自己的话说：“我好像被召唤着，从此以后我不再主幸我的生活，而它主率我。"马蒂斯起初学画并非一帆风顺，他的老师训斥他是连透视都不懂的门外汉，后来他遇到了对他影响最大的老师奥古斯塔夫·莫罗，可以说是莫罗塑造了马蒂斯。莫罗曾对他的学生说：“在艺术上，你的方法越简单，你的感觉就越明显。“正是这句话引导了马帮斯的绘画风格，使他能够用简洁的线条和鲜明的色彩塑造出他所构想的一切，对他终生的艺术创作产生了深运的影响。

马蒂斯一生游历了世界上很多国家，他兼收并蓄，吸收了非洲艺术、东方艺术，特别是日本版画的精华，其中还包括阿拉伯装饰图案。在慕尼黑参观宗教展览时，他自认发现了最重要的画面装饰。他在创作时找到了一种直接的表现手法，以强烈的原色对比和粗犷的线条体现自己对客观事物的感觉，透视和明暗完全被他摒弃了，可是他的构图仍是有秩序的生活境界。

《红色的和谐》就是马蒂斯的代表作品之一，如图3-34所示。在《红色的和谐》上，我们看不到透视，只有色彩凝结成一幅对比强烈的图案世界。黄与紫、橙与蓝、红与黑单纯又强烈的对比，充满了原始的稚气。像他在阿尔及利亚、西班牙等地见过的东方挂毯或其他装饰物一样，一切都是平面的。马蒂斯认为艺术有两种表现方法，一种是照原样幕写，另一种是艺术地表现，他倾向于后者。他说，“我所追求的，最重要的就是表现…我无法区别我对生活具有的感情和我表现感情的方法。

他从原来追求动感、表现强烈、无拘无束，渐渐发展成追求一种平衡、纯洁和宁静感。马蒂斯是一个善于吸取各种艺术门类优点的人，他研究东方地毯和北非原始的配色法，并将它们发展成种对现代设计有巨大影响的风格。20世纪初，法国的野兽派运动是西方绘画史上的一次巨大变革，其意义和后来的立体派、抽象派和超现实派有本质的区别。

如果说野兽派是对传统艺术色彩表现方法的彻底否定，那么立体主义就是对传统艺术中的形体表现方法的彻底否定。

早在印象派时期塞尚就提出，绘画中的物体由圆形、方形、三角形等几何形体构成。立体主义更进一步主张绘画中的物体由圆球、立方体、维体等构成，否定传统绘画中的透视，认为绘画中物体不同的面要绘在一个平面上。