西方艺术流派有哪些？印象派的由来和作品赏析

毕加索是立体主义的创始人之一，是20世纪西方现代派最杰出、最有影响力的大师。他一生留下了数量惊人的作品，风格丰富多变，充满非凡的创造性。毕加索是一位多产的画家，据统计，他的作品总计近37000余件。毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个在世就亲眼看到自己的价品被收藏进点浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40%的高豪因于20世纪最伟大的十位画家之首。对于作品，毕加素说：“我的每一幅画都装有我的血，这就是我的画的含义，“全世界最贵的十幅画中，毕加素的作品就占据3幅。有人说："上帝第六天造人，第七天休息，第八天创造毕加索。"他的代表作品有《亚威农少女》、《卡思维勒像》、《瓶子、玻璃杯和小提琴》、《格尔尼卡》等。

毕加索是一位永不休止追求艺术手法且风格多变的探索家。他一生经历了多种艺术风格的演变：童年时期[1881-1900年）；蓝色时期（1900-1906年1；粉红色时期（1904-1906年）；立体主义时期（1907-1916年）；古典时期（1917-1924年）；现实主义时期（1925-1932年）；蜕变时期（1932-1945年）；田园时期[1948-1973年）。他从印象派、后印象派、野兽派等各类画派中汲取营养，为己所用，将这些艺术门类交叉运用，不但达到了整体的和谱，还保持了自己独有的粗矿个性。他的作品充满了孩童般的游戏，他将自己的艺术推向了登峰造极的境界。他一生几乎都是自学，没有特定的老师，也没有特定的学生，但是活跃在20世纪乃至今天的艺术家仍无法将毕加索打开的前进道路完全迁回而过。可以说，他是旷古绝今的大师级人物。他的艺术生命很长，1973年，他静静地离去了，享年92岁

1906年，毕加索受到幸洲原始雕刻和塞尚绘画的影响，而转向一种新画风的探索。于是，他画出了那幅具有里程碑意义的著名杰作-《亚威农少女》。这是他的艺术创作以"蓝色时期"和

“粉红色时期”为基点而迈出的新的探索步伐。这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，这幅作品甚至可以看作是代表西方现代艺术的真正起点，由它才引发了立体主义运动的诞生。《亚威农少女》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改，画面取材于巴塞罗那的红灯区亚威农大街，那里有很多的妓院，我们不去探究这画中的5个棵女是不是妓女，因为毕加索对此也颇为反感，我们要探究的是画面所具备的形式意味。

这幅画，可谓是大师第一件立体主义作品，如图3-35所示。5个课女都是由几何形体构成的，带有明显的边线，画而左边的3个课女形象，显然是古典型人体的生硬变形，特别是左边第一个裸女的侧脸，似乎让我们看到了埃及艺术，而右边两个课女的脸部看起来很像携拂的面度或是幸渐原始郎落的面具，粗野且异常的画客充满了怪异的气质。野曾派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始楚力，并将它们介绍给了毕加索，毕加素毫不懂吝地将这些原始艺术运用到自己的作品中，用以摧毁古典的审美。在右下角的那位裸女，背对观众，却又正面看着观众，这就是艺术京否定客观现实完全按照自己的主观意识在作画，这也正是立体主义所倡导的。在这幅画上，颜色像是培熟了的乳猪皮色，可见立体主义已经不像过去的艺术那样去考虑“画什么"，而是关心“怎么画”。另外，“奇形怪状”的比例和结构也印证了这个道理。画面中的人物失去了人固有的有机完整性，一切都被画家破坏，正如一位艺术评论家所说：“恰似一地打碎了的玻璃。”

在这里，毕加索的确破坏了许多东西，可是他将这些东西又井井有条地重新安排，在这些块面上加上一些阴影，使裸女们凹凸有致，似乎有了三维乃至四维空间的感受。在这些非同寻常的块面结构里，我们找到了画家所要表现的某种完整性和连续性。

毕加索是一位绝对的天才画家，他的艺术成就影响了一个时代。他从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始了他一生辉煌的艺术之旅。在整个20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。他充沛的创造力给世人留下了众多层面的艺术品，这其中包括雕刻、陶器、舞台、服装等众多造型表现。在他离世后，世界各大美术馆不断地推出他的回顾展。在整个20世纪的艺术界，有关毕加素的话题不断，而且常常带有新的论点，直到今天，有关他的话题仍是那样的引人关注，并将延续下去，因为他的艺术是不朽的。

该如何看待当今20世纪的西方现代派艺术？甚至有人会问：20世纪的艺术到底是艺术还是非艺术？其实这两者是有界限的。西方现代派艺术都有一个共性就是反对传统艺术，但是不代表他们是非艺术，比如野兽派、立体派等，他们反对的是传统艺术的写实审美倾向，但是不反对艺术，他们仍属于艺术的范畴。而有的派别不但反对传统艺术，甚至反对艺术，如达达派，那么这就是非艺术范畴的。20世纪的西方现代派艺术家大多是通过创作来体现他们玩世不恭的叛逆个性，强调自我价值的视觉实现，表现出来的作品甚至让我们看得离奇、荒诞，但是这些作品的确是社会经济、科技、文化等因素综合促进的结果，而它们的发展也正是社会的另类写照。

跟随艺术发展的步伐，我们可以清渐看到历史发展所留下的脚印，每一个时期都拥有其独特的个性，这些个性使它们有了不同的名称。就像一串糖葫芦，从上至下，看似形态相似，但细细品味其中，却有不同的味道。我们起到的作用，也许就是那根“蔑棍”。万变不离其宗，不管运用什么手法进行艺术创作，手绘是最基础的。光去画永远找不到绘画的精髓，这些精髓就在先人的脚印里，其中的深浅，仔细揣摩，就会有别样的收获。或许你会厌倦我长篇累牍的介绍，坦白讲，我介绍得还是太少了，也大概括了，以致我只选择部分代表画家且每个人只用了一幅作品做简要介绍。

如果大家有志向学好CG，建议看看西方美术史，会对自己的插画创作带来很大的帮助。

为什么要说这么多的绘画历史？CG历史在哪里？我可以很负责地说：CG的历史在今天！由于电脑的普及也就是这十几年，而CG作为新兴艺术门类，不可能在20世纪初就留有大师的作品。凡·高不可能手里握着压感笔在数位板上画他的向日葵，这是受到客观历史条件限制的。因此，只要你努力，未来的CG历史上也会留下你的大名。

绝大部分画画的朋友起初学习绘画都是从临摹开始的，那么临事谁的作品更利于自己的画技提升呢？这么些年的学画经验告诉自己，临摹大师是最好的秘诀。因为大师代表着一段时间内绘画艺术发展的最高水准，只有从大师那里汲取营养，把最高艺术准则融入自己的血液中，取法乎上，为己所用，才能大放异彩。这也正是前文梳理绘画发展历程的原因所在。任何CG艺术，学同行你永远不会取得质的飞跃，比如说某某插画家画的不赖，你就去临摹，并不是说不会进步，但就算你取得了很大的进步，也最多仰止于此，不得前行。而纯艺术才是一切视觉艺术的营养源泉。

不管是创作还是临摹，最先要学会观察。很多画家画画时都爱眯着双眼，左看右看，显得娇柔做作。其实人家真不是故意的，这是在观察，只有眯着眼睛才可以抛弃一些东西，学画画的第一课就是要学会抛弃，抛弃得越多就表示获得的将更多。如图3-36所示，上面有那么多上下交错的黑色箭头，如果你换个角度看，盯住白色区域看就能很明确地分辨出一排排的大写英文字母"A"。你可以看到黑色的箭头，是由于人的注意力被黑色的形状吸引了，如同白纸黑字，所以它们中间的那些中间空隙显得不那么引人关注，然而，当我们把黑色中间的那些白色区域当作主角看待时，黑色又会退居二线成为配角。或许产生这种视觉转换是由于人的视觉不能兼顾，就像两只手不能同时做不同的事情一样。这应该就是人类左右脑不能同时运作的典型例证吧。一开始只看到黑色区域或许是因为最上面和最下面两行“A"的头尾都没有边线，因此与平时看到的字母"A"有很大的出入，视角由此停留在了阴形的箭头上，但是当把阳形的字母“A"看作视觉主角时，头尾的边线在脑海中自然而然就形成了。

现实生活中的物象也就是这样呈现给大家的，只是更加复杂，以致找不到最简练的方式去观察它们，所以绝大部分人找不到绘画的秘诀。绘画是一门去繁就简的艺术，接下来让我们看一幅经过提炼后的名画，如图3-37所示，这是“巡回画派”创始人克拉姆斯柯依的代表作《无名女郎》。这幅作品是一幅现实主义作品，在美术史上占有一席之地。我将这幅图做了一些处理，乍一看是不是有点茫然。的确！但是如果愿意，我们可以将书和眼睛拉开一定的距离观察一下，是不是更加明确了画面的含义？对！画面的含义立刻呈现在眼前了，一旦我们感知到了图像信息，大脑便开始整合这些简单的黑点，让画面更加丰富，我们所寻找到的细节不断添加到这些黑色点点里面，原本一些不存在的事物，比如人物形体的边线，也自然而然地建立起来了。这一点和刚才所说的那几排字母"A"头尾相藏最终暴露于眼睛里是一样的道理。了解这一点后，这幅画开始了完整的呈现，似乎我们看到了无名女郎侧身端坐，转首俯视着这个冷酷无情的世界，显得高傲、有修养、品位典雅又时尚。其实这是光线的投射造成的，比如光线照射到凹凸不平的人脸上时，其特有的五官形状决定了影子的形状。如果在同样的光源、同样的位置上，分别站两个长相迥异的人，影子的形状肯定不同，所以影子的形状取决于物体的形状，这是最浅显的道理，比如一根香蕉和一只苹果，它们的投影肯定不会相同。再回过头看看那几排字母"A"，如果换成字母"B"."C"、"D"，黑色区域的形状也会发生相应的改变。

因此，艺术家观察对象时，都会学着丢舍，“舍得"二字不但在做人上有哲理，在绘画中同样如此，不舍就无法得。学会丢弃，就预示若将得到更多，所以一般画家画画都是先整体概括，然后再搜集细节。当然也不是绝对的，但是对于初学者来说，这一点很重要。