浅析日出印象的艺术特点

在艺术发展的历史长河中，曾有一次艺术潮流变革使传统艺术向现代艺术迈出了巨大的一步，而且把色彩研究推向了艺术创作前所未有的高度。当传统艺术的发展遇到瓶颈时，有人开始疑问，艺术的魅力难道就是表现客观存在吗？既然相机发明了，用相机岂不是能更简单更直接地再现物相？有的画家惊呼：“绘画消亡了！"绘画永远不会“消亡"，只是绘画的变革在不断产生，传统绘画暂时退出艺术主流，一种新的绘画流派轰轰烈烈地诞生了，这就是大名鼎鼎的“印象派"

印象派绘画的发展并非一帆风顺。起初一群经常在艺术沙龙落选且默默无闻的画家，决定在巴黎成立一个新的画派，就叫“无名艺术家协会"。参加的画家有莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯菜、德加、塞尚、莫里索素、基约曼等人.他们借用一位摄影家的工作室，举办了一次独立画展，画展名就叫“无名艺术家展览会”。这个展览于1874年4月15日开始，莫奈的《日出·印象》成为此次展览的象征性作品，如图2-101所示，印象派就此诞生。

《日出·印象》是莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生作品。他在同一地点还画了一幅《日落》，在送往这次展览时，两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是“对美与真实的否定，只能给人一种印象”。于是莫奈就给这幅画起了个名字-

《日出·印象》。这是一幅海景写生画，整个画面笼罩在稀薄的灰色调中，笔触长短不一、轻松随意，展示了一种雾气交融的景象。日出时，海水在旭日的照射下呈现出橙黄色与淡紫色，海水雾气迷漫，水中反射着天空和太阳的颜色。3只小船在雾气中模糊不定，船上的人若隐若现。岸上的景色隐隐约约，模模糊糊看不清，形体此时退而居其次，画面的色彩给人一种瞬间的印象。

真实再现自然界中的光与色，是印象派普遍遵循的原则。印象派的画家们认为，自然界的色彩是由于光照才产生的，色彩的根源在于光。这个理论是根据19世纪现代科学技术（尤其是光学理论和实践）的启发而诞生的。印象派画家尤其重视对外光的研究和表现，提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，摒弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。在这方面印象派画家还从荷兰小画派、西班牙画家委拉斯凯兹、英国画家特纳和康斯太勃尔等人那里吸收了有益的经验。

前面已讲过，物体本无色彩，只是因为有光的存在才赋予了物体的色彩。比如晴天观察树上的绿叶是鲜艳的绿色，阴天则显得灰暗，晚上则是黑色的。印象派画家们敏锐地捕捉到这一规律，最具代表性的要属莫奈。19世纪90年代，莫奈创作了若干组作品，即“组画"。所谓的“组画"，就是在同一位置上，面对同一物象，在不同时间、不同光照的条件下，所画的多幅作品。这大概是莫奈晚年作品中的一大特色。比如，在1890-1891年期间，莫奈描绘了同一干草垛，在不同季节的早晨、中午、傍晚阳光下所呈现出的不同色彩，从而成就了多达15幅的传世名作，其中4幅如图2-102所示。莫奈以天才的眼睛来观察这个多彩世界，他以美轮美奂的色彩、充满激情的笔触、超脱自然的艺术魅力，追随着光影的步伐，打破了以往艺术的墨守成规，征服了观众的眼球。他的作品艺术价值极高，对于后世是一笔极其宝贵的精神财富。

除了《干草垛》系列组画之外，莫奈还创作了《鲁昂大教堂》、《睡莲》等系列组画，以此来表现色彩随时光变化而呈现的不同美感。1892年，莫奈在其生前的最后居住地吉维尔尼安定下来后，为处理一件家事去了鲁昂。他在此地捕捉到了他生平遇到的最美的图景之--鲁昂大教堂。

1892年2-4月中旬及1893年，莫奈共为此教堂绘制了30余幅油画。艺术评论家古斯塔夫·热弗鲁阿在欣赏了莫奈20几幅有关教堂的绘画后，称赞这些画“画出了生命在光线变幻的时时刻刻所呈现出的永恒美”。

印象派艺术家们普遍重色彩，轻造型。比如《日出·印象》色彩是绚丽真实的，但是船坞、人、船、建筑物的形体都交代得模糊不清。这并不是说印象派的画家们缺乏造型技能，我看到莫奈早期的作品很是写实。由于写实的作品偏向理性，而重色彩的作品更重情感，偏感性，因此可以说印象派艺术家的作品是情感的再造。

达·芬奇在《论绘画》中说：“要表现物体，真实的阴影.，只可以使用黑色和固有色的混合。"莫奈则认为：“当你出去写生时，要设法忘掉你面前的物体，比如一棵树、一片田野，只想着这是一小块蓝色，那是一块黄色，然后准确地画下你所观察到的颜色和形状，直到符合你最初的印象为止。“两位大师对色彩的理解和认识，典型地反映出古典主义绘画与印象主义绘画在色彩观念方面的差别。印象派画家用色的原则是“原色、纯色主义"。观察印象派作品能明显地看出他们用色普遍较纯。不仅如此，为了保持颜色的鲜艳度，印象派画家们使用颜色时很少在调色板上调和，有时直接用颜料管里的新鲜颜色。最初在“无名艺术家展览会"上，就有一位评论家路易·勒罗瓦发表了一篇名为《印象主义的展览会》的评论，对参展的艺术品做了毫不留情的批评：“那些画家把颜料当做子弹装入手枪，然后射向画布，签上大名，就宣告作品完成了。看那幅《日出·印象》，还真只是一个印象，那乱七八糟的构图和颜色，四处飞溅的泥浆，简直太荒唐可笑了。"导致许多人走入。

个误区，认为印象派作品就要色彩鲜艳，纯度越高、色彩越丰富就越印象。如图2-103所示，看看这幅画中的灰色吧，微妙而隐秘，在印象派画家的调色板上竟然可以找到如此漂亮的灰色，这在自然景色中是看不到的，莫奈却画了出来。这幅画，让人看到大师并没有把纯色从颜料管中直接挤出来涂在画布上，而是利用灰色调的细微变化，准确地再现了光影的另类风姿。

在印象派绘画作品中，物体的暗部有明确的色彩倾向，暗部的色彩变化不是孤立的.同时也不一定保持着高纯度，画家巧妙地将其与亮部色彩形成对比，形成色彩节奏的转换。无论是大色块的对比还是小笔触的合并使用，都能找到冷暖色或补色的对比关系，这种手段是素描或古典绘画中所没有的。暖色大面积被使用，冷色的恰当点缀又起到控制暖色过多而引起的不协调。灰色的运用也给大面积纯色的运用带来了合理的缓冲，暖色使画面有平面、拉近的效果，有视觉的冲击力，相反，冷色具有向内向远静止的力量。这两种不同感受的色彩，构成了印象派色彩语言上的空间效果，纯色的明锐和跳跃，使画面充满了情感与生命，灰色的稳定和谐，以使画面色彩语言不疾不徐。

乍一听，印象派和高级灰的确风马牛不相及，可是当我们仔细去研究并分析就会发现，印象派经常运用到灰色，擅长高级灰作画的画家也深受印象派的影响。运用高级灰最具代表性的画家就是意大利画家乔治·莫兰迪，如图2-104所示。

究竟何为“高级灰”呢。高级灰特指一个色系或一组色彩经过调和后的颜色类别，纯度通常偏低，给人的感觉是和谐，而不是单独一类色彩，因为色彩的运用关键在于搭配。通常纯度偏近的不同色相在一起搭配，有柔和、平静、稳重、和谐、统一的美感，如果说纯度低，是因为我们停留在表象，实际上，高级灰同样是色彩丰富的。为了更好地演示这一点，将画家的这幅高级灰作品用Photoshop提高了纯度，如图2-104所示，大家看是不是光感十足？和通常理解的印象派区别很大吗？印象派与立体派，他们各自以形色的巧妙搭配，找到了属于自己的独特画风，捕捉到了朴实中蕴含的精髓，使作品洋溢着单纯、高雅、清新且美妙的真诚。

看了图2-104后，得出的结论是：高级灰不是单纯的灰色，而是有彩色系的灰色；不是单纯的无彩色系的黑白画，是有颜色、有情感的。很多人画画显得脏，究其根源有以下几点：1.画偏灰色调的画，如果颜色缺乏倾向，也就是说灰色没有偏向于某一种颜色，若冷或暖，那么由于灰色也是多种颜色混合一起得到的，若单纯为了追求灰色，胡乱去调，得到的就会是没有色彩倾向的灰，结果就显得胜。2.有人画类似印象派的画，也显“脏"。其实颜色画得“纯”不可怕，切忌不可画得

“生”。何为“生"？“生”就是“涩"，就是不管三七二十一，把顏料直接从管子里挤出来涂在画布上。解决这个办法很简单，哪怕只把两种颜色进行混合，就可以调出较灰的色了。在电脑插画中，虽然没机会在调色盘上调色，但原理一样，都不要滥用纯色。在后面的4.2.2节中会详细介绍解决的方法。

不管是印象派还是高级灰，都要合理地运用纯色和灰色，同时利用好冷暖色、互补色、对比色，才会画出好的作品。