《我是歌手》宣传片幕后：专访导演彭宥纶与她的团队

在《我是歌手》的总决赛直播上，因为孙楠的意外宣布退赛，除了汪涵临时的发挥，其实帮助汪涵救场的那三分钟恰恰是彭宥纶导演的《我是歌手》总决赛短片。虽然汪涵宣布再插入3分钟的广告，但是因为电视广告的时间都是固定的并且严格的。所以这三分钟的宣传片作为节目中的内容再次出现变得尤为重要。

宣传片是一个电影、一个节目的“广告”？还是一次创意与视觉的体验和迸发？我们从影视创作上一探究竟。

先再睹一下长达三分十二秒的宣传片


导演：彭宥纶、文案：吴梦知、编曲：曲世聪、配音：华晨宇
摄影器材：Arri Alexa XT、Phantom v642
三脚架：O'Connor 2575D云台＋脚架
监视器：Panasonic17寸高清监视器
镜头：Arri Master Prime 12 mm/25mm/50mm/75mm/135mm/100mmMarco
剪辑：Final Cut Pro、Sony Vegas、Premiere Pro
特效：3D MAX、VUE、RealFlow、AE
调色：DaVinci Resolve

你是不是也好奇一个创意团队如何把握十年青春时尚影像？一个创作团队如何承担与覆盖不同工作类型？通过《我是歌手》宣传片案例把创意量化的过程分解展示，我们把这次创作的过程当成洋葱一层层剖开，看到一个宣传片的诞生过程与细节。

记者：业内貌似有一些对宣传片不是影视工业流程中的一部分说法，好像宣传片并不是电影创作的一部分。但是目前不论电影还是电视节目宣传片的作用也越来越重要，从什么角度看待宣传片也尤为重要。通过一些资料显示，电影预告片是促使观众最终去影院观影的首要动因。

彭宥纶：认为宣传片不是影视工业流程的一部分，我觉得他们是站在一个纯创作者的角度来说的。

实际上我觉得：在现在的市场上，每个人既是创作者，也得是一个优秀的产品经理人。导演的天职是把任何产品变成作品，而一个好的产品经理，应该把任何作品都变成产品。以后能够真正扛得起这个市场的人，一定是把两者身份都兼具在身上的人。当兼具两者身份时，就不会纯从创作者的角度去看宣传片，去想它是不是影视工业流程中的一部分，它当然是影视工业流程中非常重要的一部分。

问题：每次项目的开始肯定少不了一次次的开会。加上引力太空的作品也涉及大量特效画面以及凭借想象力创造的画面，所以创意会议也奠定了宣传片的基调以及内容吧？

彭宥纶：但凡来找我们拍宣传片的，除了制作规格之外，都希望我们能够挖掘这个节目，给予这个节目一些新的定义，甚至是提升，深挖这个节目里的观众需求。并不只是简单的喊出“我是歌王”这个口号。那除了“我是歌王”之外，《我是歌手》导演组希望能够从我们的视角来观察这一档节目，把这档节目的情怀用我们的画面和文案表现出来。

这个创意会我很有幸地找到了吴梦知跟我一块来聊。当时我和梦知说，我特别喜欢你的一句话：“如果没有音乐世界将会怎样”。然后我们就开始聊，如果世界没有音乐，那肯定就只剩真空了；如果世界没有音乐，那肯定就只剩噪音了。于是我们说起声音的起源，梦知说她最近在看一本书叫《艺术让人成为人》。一些史学家认为，音乐的起源是人渴望模仿悦耳的自然之声。

她就和我分享了其中一段：“大部分时间我们的生活环境都不是事先计划的，我们听到的声音都是碰巧出现，一架正在起飞的飞机，紧急的刹车，电吹风，或者是一列驶向路口的列车。在人类情感第一次觉醒之时，也许猛犸正在发出咆哮，世界上绝大多数人仍被讨厌的噪音所主宰。”后来人自己创造了选择的可能性，木棍和石块的敲击声触发了节奏，那节奏产生之后就产生了音符、音阶，于是他们把它融合在一起，就变成了旋律，然后就有了音乐的产生。聊完这些，已经半夜了，但我们都觉得非常的妙。

为什么《我是歌手》这档节目被大家这么认同，其实很多的是因为，除了音乐和旋律之外，歌手富有情感的歌唱，让人之所以为人。所以我们也打造了几种极致的地貌跟歌手声音配合起来。

记者：从创意到每一帧的画面最考验活儿，技巧掌握的熟练程度。包括拍摄时间的搭配，以及特效与实拍的如何结合，创意镜头的实现。虽然只有紧张两天拍摄时间以及每个艺人规定时间拍摄，但在拍摄过程中与拍摄团队配合以及前期的策划又会带来怎么样的拍摄现场？

彭宥纶：我们确定短片要讲噪音对抗沉默，以及声音的产生这一件事情。然后从日常生活里拎出很多被我们忽略的音效，很多被我们讨厌的音符，做一个属于声音的短片。

创作过程是导演跟摄影师互相学习以及互相妥协的一个过程。拍摄之前，我们会进行多次拍摄会议。摄影师站在他的角度，他觉得这样的滤镜是最为舒服的，导演站在导演的角度，镜头更多的考量的是人物的表达，内容的表达。

在拍摄之前，导演跟摄影师已经达成一致是要拍哪些镜头，镜头要如何来拍了，因为我们在拍片之前，一定有看景的一轮和复景的一轮。在第二次看景的这个过程当中，我们一定是用这个成型的拍摄方案来商量每一个镜头的走位，艺人的走位等等等等。所以在现场实际上我和摄影师合作基本上都是非常有默契的。

这一次我们使用了Phantom v642高速摄影机，最高升到了1200格。必须在很短的时间内，拍完很多个动物的运动画面。技术方面其实并不是挑战。更难的是怎么去跟这些动物演员说戏吧。这几乎就是三个字，“碰运气”。

记者：现场拍摄与后期特效团队会如何沟通？以及实景拍摄如何与后期配合？

彭宥纶：进入拍摄阶段之后，要按照既定的计划严谨执行，尤其是涉及CG制作的镜头，一点差错也不能出。因为我们的制作周期基本上很紧张，如果拍摄中出现一丁点儿的差错，就会给后续的工作带来无穷的麻烦。

拍摄过程中，主要是两点：

一是效果。之前合作过一些摄影师不具备足够的画面想象力，他们可以判断当前的拍摄画面是否漂亮，却不足以判断在后期工作完成之后的成片效果。所以往往为了追求眼前效果，而把一个画面做的很满，不留余地。进入后期工作之时往往陷入困境。这就需要特效人员有足够的画面想象力，可以在监视器前对于最终效果有一个准确的判断。

同时为了安全起见，我们在时间允许的情况下，一般会有明确的气氛图和动态分镜来指导拍摄。现场拍摄之时，一目了然，省去许多在沟通过程中“猜测”所消耗的沟通成本。

第二个是执行。我们要的是讲究，而非将就。如果说效果还可以商榷，可以尝试。那么在效果确定之后的执行，就容不得一点马虎了。必须严格执行，规避所有的风险。特效团队在现场需要做的，不仅仅只是布置绿幕这种基本工作。尤其现在的市场和观众，胃口越来越刁，即便是短平快的项目，我们也尽力去要求执行的高标准。

摄影的构图，运动轨迹，灯光，置景，都跟后期工作息息相关，其实前期拍摄与后期工作是密不可分的，每一个环节都需要为之后的执行做到最好，才能保证出来的作品不是差强人意的。

后期团队需要仔细的观看监视器，想象CG需要制作的部分在当前镜头中是否可以达到预期的效果，并且需要对现场的灯光做HDR的拍摄，以便于在三维软件中进行灯光匹配。同时需要在现场放好跟踪用的参照物，以便于后期进行摄像机匹配。

即便只是绿幕这种大部分人都知道的基本工作，其实也有很多的讲究，绿幕的材质，是否吸光，绿幕是否平整，人物与绿幕的距离，受到绿幕的反光程度。每一个细节，都会在后期工作中以十倍百倍的放大呈现。

宣传片的后期基本包括气氛设定、剪辑、音乐、音效、CG、调色，几乎是整个宣传片的再次创造或者最终的呈现。只有短短10天做完后期工作。

记者：导演与后期的合作以及后期创作上又会有什么故事？

彭宥纶：导演与后期团队主要的沟通时间有两个重要的时间点。

第一个，拍摄之前。后期团队在理解导演的想法之后，需要对当前的创意做出判断。在有限的条件中，是否可以达到导演想象中的效果、思想与感情。还有在技术角度，是否有办法更快、更低成本地执行。前期的沟通工作一是可以让导演对于成片有更清晰的认知，二是避免片子的执行走向不可控的险区。

第二个就是在拍摄完成之后。即使我们做了比较充足的准备，依然不能避免一切特殊情况的发生。这时候就需要与整个后期团队有一个讨论会，制定一个更合时宜的方案，这才是真正考验脑力的时候。在现有的素材之上，我们可以做什么。

一个新的方案出炉之后，就进入了真正的后期执行阶段。这里其实就比较常规，按照确定的美术气氛图来制作相应的画面，剪辑确认，配合画面制作音频，调色成片。

记者：后期制作过程有没有遇到需要修改创意或者需要颠覆之前的想法，如何应对？

彭宥纶：在这个案子上面没有遇到需要修改创意和颠覆想法的问题，但是我以前但凡在后期制作过程当中，需要修改创意和颠覆想法的片子几乎都是失败的片子。所以我觉得还是那句话，前期的策划和筹备，必须兼顾到执行可行性，以及整个作品的表达、以及整个后期制作流程的合理性。如果想要通过后期来补充前期拍摄时没清楚或者缺陷的地方，这个作品一定会失败的。颠覆或者改变创意，在后期执行当中是非常危险的，唯一应付的方法就是前期谨慎严谨的策划。

不管做导演也好，做摄影师也好，策划人也好，特效师也好，技术、感受、表达是必备的三个技能。确定一个画面是不是好，我觉得有几个很重要的评判标准。第一个是这个特效所完成的画面是否达到了剧情、文字、或者这首歌所需要的情感和内容表达。 第二个，这个特效画面一定不能是全篇最突出、最好看、最极致的、最牛逼的地方，假如它是，就会变成这个片子最不合适，最突兀的画面。因为你要考虑成片的整体概念，不能单是某一个画面非常的极致。

所以我觉得特效是画面技术实现的一个基本手段，但是现在很多国内的特效人员，往往忽略的是什么，一是成片概念，二是对剧本、对一个作品的感受。一旦解决这两个问题，用最简单的技法，也许我们都能够完成一个非常牛逼的片子。这是我在创作的过程当中，也是跟我的后期特效组合作过程中最看重的一个问题。

记者：字体对于宣传片意味着什么？

引力太空作品中的字体都有非常独特的标签性和象征性，从第一届《超级女生》开始到现在的《快乐男声》、《我是歌手》中的字都在很简单的字体上加上导演自己的风格，字幕也变得独特有力。

彭宥纶：我们的字体形式和版式都运用了强反差的手法，字体形态选择和创作都比较随性、夸张；目的是形成第一反差的视觉冲击力。字体的运用不能够媚俗。现在很多字体的设计，大家用英文字排个版，然后感觉看上去很洋气的、很高大上的样子。但是在一个短片当中，在一个平面作品当中，我们使用的任何一个颜色，任何一个元素，当然也包括一个文字，都是有意义的。不能因为好看，不能只是因为好看。而是本身你要传达的气质和信息是什么，这是一个创作人首先考虑的问题

案例分享：

2013年《快乐男声》的项目的字体有很强的标识性。当时《快乐男声》这个项目的一个有力竞争者是《中国好声音》。《中国好声音》作为引进国外版权的一个节目，它的整个视觉呈现和节目形象是非常非常欧美的：话筒、拳头、英文、中文字靠边站。这是很欧化的一个包装设计。

《快乐男声》的视觉短片项目，考虑应该表现什么样的节目气质时，遇到了一个选择：选择一，是往《中国好声音》的方向来做，一如既往的去学习很多欧美优秀节目的视觉呈现经验。选择二，反其道行之，规避所有英文的使用，把中文字作为一个重点标识来体现。然后彭宥纶通过在PS尝试，用“叶根友字体”打下了两个字：真实。